Moss is a Cologne based dancer and co-founder of the Dance and Performance Collective “My Neighbour is a Witch”.

Using the space of Freiraum for their own creation and research process of “float” (working title), a work dealing with the theme of dissociation.

Additionally the space is used with the Collective for their new piece “The moment you feel to say ‘I Love You’”. A research that explores love through the lens of social norms and the awkward, vulnerable, and tender moments they create, embodying characters shaped by cultural expectations and personal insecurities. Blending tragicomedy with physical exploration.

Open Workshop

Das Konzept “Playful Choreography” entspringt der Idee, einen spielerischen, kreativen und körperlich herausfordernden Austausch zu führen. Mit Improvisation, tänzerisches Geschichten erzählen, unsere Stimme, Gesang, Improvisations Aufgaben und Contemporary Fusion möchte ich Techniken erproben, einen Kollektiven Begegnungsort schaffen und Tanz als kollektiven Widerstand nutzen.

Nachdem wir gemeinsam den Raum designed haben möchte ich während der Klasse einen Raum dafür schaffen, dass jede teilnehmende Person Wut, Angst, Trauer, Verzweiflung und Freude fühlen darf.
Die Idee des tänzerischen Austauschs ist sehr improvisations basiert, energetisch, technisch und spielerisch zugleich.

A dance recorded on the basis of notations
A book on the intersections of choreography and design

Choros consists of a two-channel video installation and a book. What are dance notations – and what does it mean to read them today? The video work draws attention to the ambiguities of interpretation. The dancers’ improvisation becomes a space where structure, freedom, and experience meet. At the center: movement itself – unfiltered, without musical accompaniment. The book explores the intersections of choreography and graphic design, focusing on the spatial and materialistic dimensions of notation, movement and the written.

Performers: Alisa Draber, Samanta Lück, Jolinus Pape
Camera: Leonard Mann
Edited and designed by: Lynn Ruberg

Location: Nilsson Düsseldorf
10. & 11.7.25

Inspiriert von den Lesbian Herstory Archives in New York gestalten Benze C. Werner und Ley Ghafouri mit „LP (Long Play)“ (AT) eine Performance, in der Tanz und Konzert ineinanderfließen. Zwischen Autotune und intimen Gesten entsteht ein Spinnennetz aus Referenzen, das persönliche und kollektive Erinnerungen verwebt. Vielschichtige Vergangenheit trifft auf aktuelle Sehnsüchte.
Die zweiwöchige Residenz im Freiraum markierte den Auftakt der künstlerischen Arbeit. Sie war dem Songwriting gewidmet. Gemeinsam entwickelten die beiden erste Entwürfe in Musik und Bewegung. Die Premiere findet Anfang November 2025 im tanzhaus nrw in Düsseldorf statt.

Backstage Club is an international workshop series tackling key aspects of international collaborations, such as: fair practices taking into account the different cultural and socio-political contexts; cross-border collaborations in time of environmental crisis; diversity aspects. The event series is open to artists and cultural professionals locally and internationally as well. It aims to foster knowledge sharing by involving key experts in the field as workshop holders, initiate collaborative thinking among the participants on the topics and improve awareness of cultural professionals and artists to international opportunities (such as funding and partnership development).

The first Backstage Club took place in April 2024 in Athens-Greece, with two more to follow in 2025 in Budapest-Hungary and Dusseldorf-Germany respectively.

Fr. 09.05., 10:00 Uhr – 12:30 Uhr
Regionales Netzwerktreffen für Produzent:innen – Meet-up
Anleitung: Sofie Luckhardt (Koordination produktionsbande)

Fr. 09.05., 14:00 Uhr – 16:00 Uhr
Das Netzwerk ist die Stärke – Runder Tisch
Anleitung: Shirin Mirachor (Gründerin und Geschäftsführerin des Kulturinstituts (A)WAKE Rotterdam), Meghna Bhardwaj (Tanzkünstlerin und Akademikerin aus Neu Delhi/ Stipendiatin der Dance Research NRW)

Anna Konjetzky, Quindell Orton und Sahra Huby vom „Playground“ in München waren für Probenarbeiten zu Gast im FREIRAUM – für ihre neue Produktion „sound on!“, die in Koproduktion mit der Jungen Oper am Rhein entsteht (Premiere: 8.7.25, HochX Munich).

Zwischen Tanz und Konzert erzählt „sound on!“ von feministischen Stimmen, Gemeinschaft und dem Mut, gehört zu werden. Drei Tänzer*innen und eine Sängerin begeben sich mit Beats, Stimme und Live-Kamera auf die Suche nach Vorbildern, nach Zugehörigkeit – und nach der Kraft, sich zu zeigen und einzustehen. Eine vielsprachige, energetische Collage, die Protest und Freude vereint. It’s cool to be feminist!

Im Rahmen ihres Aufenthalts waren auch zwei Düsseldorfer Schulklassen zu Besuch: In einem Showing mit anschließendem Gespräch und Mini-Workshop wurde der FREIRAUM zum Ort der Begegnung, des Austauschs und der Inspiration.

Our research „A Feast for One?“ is a solo research questioning our relationship to food.
From concrete images, we research physically on the different layers of our Western understanding of consumption.

Die türkische Rockband Esvedeyn hat den FREIRAUM genutzt, um das Musikvideo zu ihrem Song „Yorma“ aus dem Album iki bucuk (2018) zu drehen.

The collective Spaniol | Nardi used the FREIRAUM space to research new movement material for future work.

Foto: Sabrina Weniger

Bewerbungsfilm zum Thema Performativität von Geschlecht

Wir setzen uns mit der Performativität von Geschlecht auseinander und erforschen, inwieweit Geschlecht unsere Körperwahrnehmung und Körpergefühl beeinflusst.
Dabei probieren wir Körperhaltungen aus, die geschlechtsspezifisch aufgeladen sind und versuchen mit der Zeit durch Tanz und fließende Bewegung den Körper davon zu befreien.

ELEVEN | ELEVEN erforscht das Konzept des „Limbus“, inspiriert von Dantes Inferno. In dieser Vorstellung verweilen Seelen in einem Zustand der Vorhölle – ein Ort, der weder für den Himmel noch für die Hölle bestimmt ist. Der „Limbus“ ist ein Raum des Leidens, der nicht durch körperliche Qualen, sondern durch Unvollständigkeit und unerfülltes Streben geprägt ist. In einer modernen Perspektive zeigt ELEVEN | ELEVEN, wie Menschen heute ähnliche Empfindungen erleben: Unsicherheit, passive Akzeptanz und das Fehlen von Perspektiven bestimmen diesen Zustand. Die Diskrepanz zwischen dem, was ist, und dem, was sein könnte, verzerrt oft die Wahrnehmung von Zeit und Raum. Gleichzeitig rücken globale Krisen die Auseinandersetzung mit Sterblichkeit und Trauer stärker ins Bewusstsein. Als erster Teil einer Trilogie beschäftigt sich ELEVEN | ELEVEN mit dem Warten und der Dynamik von Erwartung und Ungewissheit – universelle Erfahrungen, die sowohl individuelle als auch kollektive Reflexionen anregen. Von der Geburt bis zum Tod stellt das Projekt die Frage: Was liegt dazwischen? Ist der „Limbus“ ein Raum, in dem sich das Leben entfaltet, oder seine Essenz?

Choreografie, Tanz, Konzept: Lara Pilloni | Julia Monschau
Choreografische Assistenz, Dramaturgie: Frederico Mendes Teixeira
Musik, Komposition: Álvaro Severino
Lichtdesign: Julio Ernesto Escobar Mellado

The collective used their stay at FREIRAUM for reflexion of the last years as well as for planning the current year.
Additionally, they also conducted a research for their next project about NYX, the Greek godess of the night, including 100 questions about what does not let you sleep in the night.

Wir durften den Freiraum für den Dreh des Musikvideos zum Song „The Doctors“ nutzen, der auf meinem kommenden zweiten Album erscheinen wird.

„The Doctors“ thematisiert mentale Gesundheit, Neurodivergenzen und das Gesundheitssystem. Der Song verhandelt, wie Heilversprehen oft nicht eingelöst werden: Während die Doktoren im Refrain betonen, sie seien ausgebildet, um zu helfen und Orientierung zu geben, bleibt am Ende häufig das Gefühl, allein gelassen zu sein.

Gemeinsam mit meinem Team – Sebastian Czichon (Kamera), Jessica Scheulen (Tanz), Gabriele und Imran Sevis (Performance), Mike Wiese (Performance) und Exaelis (Fotos) – konnten wir im Freiraum die Hauptszenen des Videos realisieren. Der Raum bot uns die ideale Kulisse, um die emotionale und visuelle Tiefe des Songs zu unterstreichen. Mit choreografierten Bewegungen und intensiver Bildsprache haben wir die Ambivalenz des Textes visuell umgesetzt.

Wir bedanken uns für die Möglichkeit, den Freiraum für unser Projekt nutzen zu dürfen. Es ist ein inspirierender Ort, der kreatives Arbeiten auf besondere Weise unterstützt.